Hommages
Critiques du Dr Domenico Taricco
Giorgio Morandi
L’art occidental a stimulé une éducation picturale et stylistique à faire surface, limant un sentiment tout à fait naturel et fondamentalement original.
Comme le soutient Rapetti elle-même : « …en copiant les œuvres de ces maîtres du XXe siècle, j’ai pu perfectionner la technique figurative de mes peintures. Une grande reconnaissance envers eux… ils ne le savent pas mais… » ils continuent de vivre à travers son dévouement créatif, transformant ce qui est apparemment naturel en quelque chose de plus profond.
Et pourtant, j’ajouterais : « Je crois que sous n’importe quelle forme ou matérialisation cosmique du temps, ils le savent déjà ! »
En ce qui concerne les Hommages à Morandi, nous assistons à une série de Paysages qui incarnent le style au-delà de la technique du maître bolonais.
Comme Giorgio Morandi lui-même l’affirmait : « Exprimer ce qui est dans la nature, c’est-à-dire dans le monde visible, est la chose qui m’intéresse le plus ».
Et Rapetti l’a fait et continue de le faire techniquement dans son travail artistique. Ressentir les choses au-delà de leur apparence, mais partir de celle-ci telle qu’elle se manifeste et la transmettre transformée et purifiée.
Parce que notre artiste effectue une opération supplémentaire de purification analytique de ce qui est extérieur, intériorisant l’état éphémère de la nature jusqu’à le sublimer par la peinture.
Morandi, en effet, était adonné aux natures mortes, mais il les a amplifiées en exposant avec les futuristes et en devenant, avec Carrà et De Chirico, l’un des plus grands représentants de l’école métaphysique. Mais il s’est par la suite rapproché du groupe des Valori Plastici, récupérant précisément la physicalité des choses. En plus d’être un maître graveur, il a tracé un parcours physique sans précédent en utilisant toujours moins la variété des couleurs.
Des caractéristiques qui ont déterminé la sobriété des formes à la limite d’une surréalité tout à fait unique et particulière.
Cette coexistence entre dimension poétique et réalité sont des caractéristiques qui distinguent la maturité picturale de Rapetti qui, dès ces œuvres évocatrices, renvoie à la sécheresse, à la synthèse et à la spiritualité inhérente aux choses.
André Derain
Une autre série d’Hommages est dédiée au peintre français André Derain. Nous savons de ce peintre qu’il avait été orienté vers des études d’ingénieur et que, grâce à la connaissance d’artistes comme Henri Matisse ou Maurice de Vlaminck, il décida d’entreprendre la voie de l’art en exposant en 1905 au Salon d’Automne et au Salon des Indépendants dans le groupe des Fauves. Outre le fait de suivre les conceptions primitivistes de Paul Gauguin, il se détacha des connotations fauvistes ainsi que des cubistes incitées par son ami Picasso. Le Retour à l’ordre remettra en vogue la perspective du clair-obscur en croisant les chemins de composition de Morandi. Des caractéristiques qui le menèrent à la soi-disant période gothique/primitive à partir de laquelle il se dirigea vers les provocations dadaïstes et surréalistes.
Ces prémisses historiques définissent un parcours pictural particulier et articulé par des influences stylistiques très complexes que Rapetti a su affronter au cours de sa formation.
Pensons au Bord de Seine à Chateau, dans lequel elle semble revenir à ces formulations néo-impressionnistes rappelées par des monstres sacrés de l’univers pictural comme Vincent van Gogh et Paul Cézanne.
Ici, Rapetti redonne à l’œuvre la luminosité, la sérénité et le naturalisme classique dans lequel l’équilibre formel est central à travers un style mesuré dans lequel elle semble vraiment rapprocher de manière fauve les couleurs froides des couleurs chaudes grâce au puissant usage des coups de pinceau, rendant ainsi visible la prépondérance des juxtapositions formelles. Il en va de même pour l’aquarelle ou pour la copie de l’œuvre intitulée Villeneuve les Avignon.
Auguste Chabaud
Pour Auguste Chabaud, le discours est également analogue.
La série des Hommages à Chabaud nous permet d’entrer en contact avec une expérience artistique davantage projetée vers la fragmentation de la forme jusqu’à sa reconstruction. Nous savons de Chabaud que, encore jeune, il entra à l’Ecole des Beaux-Arts d’Avignon où, lui aussi, connut Henri Matisse et André Derain lui-même. Parmi ses voyages et ses péripéties, il vécut la période cubiste jusqu’à l’après-Première Guerre mondiale, ce qui le mena à utiliser le bleu de Prusse comme seule couleur de ses œuvres. Nous assistons à cette plasticité dans des œuvres comme Les meules près de la maison, dans lesquelles Rapetti explore plus avant la connotation formelle à travers des chromies plus sèches que celles des artistes précédents.
Des éléments qui, sur un plan plus discursif, émergent également de la légèreté de l’Aquarelle de la même œuvre où il est possible d’admirer son impact compositionnel à travers l’harmonie des formes.
Des expériences de trois artistes différents : Derain était de 1880, Chabaud de 1882 et Morandi de 1890, mais leurs existences artistiques se sont croisées pour un style créatif qui visait à dénaturer les stéréotypes d’une classicité fondée sur l’imitation de la nature environnante jusqu’à embrasser un désir profond de la traverser à travers un œil intérieur où la forme dynamisait son propre processus en suivant le rythme temporel d’une chromie toujours plus dissociée de l’objectivité concrète des choses.
Des parcours dont le résultat essentiel était la spiritualisation de la matière.
Des connotations esthétiques qui sont restées imprimées dans la logique créative de Rapetti qui, à travers la matière, décante l’esprit du monde.
Les Hommages déterminent un retour de Rapetti aux origines.
Une sorte de voyage à rebours dans le temps et l’espace, peut-être aux origines d’un monde qui n’a jamais été oublié par sa façon d’être.
Nous nous trouvons en effet en présence de l’archétype du Soi dans lequel c’est la pensée, c’est-à-dire la ratio, qui accomplit son élan supplémentaire dans la mémoire du sujet pensant. Une pensée qui tend à rationaliser le sens concret des choses, à réfléchir, à scinder en se projetant vers ce qui sera.
Un voyage dans les profondeurs d’une peinture qui trouve chez les maîtres du passé la voie éclairée vers le sens plastique d’une matière qui spiritualise les formes à travers la couleur, la vitesse ou sa position dans l’espace.
Ici, nous sommes en présence de l’ultime Noble Vérité qui trouve le chemin de la transformation de la souffrance en joie.
Van Gogh
