Hommagen
Rezensionen von Dr. Domenico Taricco
Giorgio Morandi
Die westliche Kunst hat eine malerische und stilistische Erziehung angeregt, die an die Oberfläche kommt und ein völlig natürliches und im Grunde originelles Gefühl abschleift.
Wie Rapetti selbst sagt: „…indem ich die Werke dieser Meister des 20. Jahrhunderts kopierte, konnte ich die figurative Technik meiner Gemälde perfektionieren. Große Dankbarkeit ihnen gegenüber… sie wissen es nicht, aber…“ sie leben durch ihre kreative Hingabe weiter und verwandeln das, was scheinbar natürlich ist, in etwas Tieferes.
Und doch möchte ich hinzufügen: „Ich glaube, dass sie es in jeder Form oder kosmischen Materialisierung der Zeit bereits wissen!“
Was die Hommagen an Morandi betrifft, so erleben wir eine Reihe von Landschaften, die den Stil jenseits der Technik des Bologneser Meisters verkörpern.
Wie Giorgio Morandi selbst sagte: „Ausdrücken, was in der Natur ist, das heißt in der sichtbaren Welt, ist das, was mich am meisten interessiert“.
Und Rapetti hat es getan und führt es in ihrem künstlerischen Schaffen technisch weiter. Die Dinge jenseits ihres Scheins fühlen, aber von ihm ausgehen, wie es sich manifestiert, und es transformiert und geläutert übermitteln.
Denn unsere Künstlerin vollzieht eine weitere Operation der analytischen Läuterung des Äußeren, indem sie den flüchtigen Zustand der Natur verinnerlicht, bis sie ihn durch die Malerei sublimiert.
Morandi widmete sich in der Tat den Stillleben, aber er erweiterte sie, indem er mit den Futuristen ausstellte und mit Carrà und De Chirico zu einem der größten Vertreter der metaphysischen Schule wurde. Aber er näherte sich folglich der Gruppe Valori Plastici an und gewann gerade die Physikalität der Dinge zurück. Neben seiner Tätigkeit als Meistergraveur zeichnete er einen beispiellosen physischen Weg, indem er immer weniger die Vielfalt der Farben nutzte.
Merkmale, die die Nüchternheit der Formen an der Grenze zu einer ganz einzigartigen und besonderen Surrealität bestimmten.
Diese Koexistenz zwischen poetischer Dimension und Realität sind Merkmale, die die malerische Reife von Rapetti auszeichnen, die schon in diesen evokativen Werken auf die Trockenheit, die Synthese und die Spiritualität verweist, die den Dingen innewohnt.
André Derain
Eine weitere Serie von Hommagen ist dem französischen Maler André Derain gewidmet. Wir wissen von diesem Maler, dass er ein Ingenieurstudium begonnen hatte und dass er durch die Bekanntschaft mit Künstlern wie Henri Matisse oder Maurice de Vlaminck beschloss, den Weg der Kunst einzuschlagen, indem er 1905 im Salon d’Automne und im Salon des Indépendants in der Gruppe der Fauves – der wilden Bestien – ausstellte. Neben der Befolgung der primitivistischen Auffassungen von Paul Gauguin distanzierte er sich sowohl von den fauvistischen als auch von den kubistischen Konnotationen, die von seinem Freund Picasso angeregt wurden. Die Rückkehr zur Ordnung brachte die Perspektive des Chiaroscuro wieder in Mode und kreuzte die kompositorischen Wege von Morandi. Merkmale, die ihn zur sogenannten gotisch/primitiven Periode führten, von der aus er sich in Richtung der dadaistischen und surrealen Provokationen bewegte.
Diese historischen Voraussetzungen definieren einen besonderen malerischen Weg, der durch sehr komplexe stilistische Einflüsse gegliedert ist, denen sich Rapetti während ihrer Ausbildung stellen konnte.
Denken wir an Bord de Seine à Chateau, in dem es scheint, als kehre sie zu jenen neoimpressionistischen Formulierungen zurück, die von heiligen Monstern des malerischen Universums wie Vincent van Gogh und Paul Cézanne widerhallen.
Hier verleiht Rapetti dem Werk Helligkeit, Gelassenheit und klassischen Naturalismus, in dem das formale Gleichgewicht durch einen maßvollen Stil im Mittelpunkt steht, in dem sie wirklich kühle Farben auf fauvistische Weise an warme Farben durch den kraftvollen Einsatz von Pinselstrichen anzunähern scheint, wodurch das Übergewicht der formalen Gegenüberstellungen sichtbar wird. Dasselbe gilt für das Aquarell oder für die Kopie des Werkes mit dem Titel Villeneuve les Avignon.
Auguste Chabaud
Auch für Auguste Chabaud ist die Rede ähnlich.
Die Serie der Hommagen an Chabaud ermöglicht es uns, mit einer künstlerischen Erfahrung in Kontakt zu treten, die noch weiter auf die Fragmentierung der Form bis zu ihrer Rekonstruktion projiziert ist. Wir wissen von Chabaud, dass er schon jung in die Ecole des Beaux-Arts in Avignon eintrat, wo auch er Henri Matisse und André Derain selbst kennenlernte. Unter seinen Reisen und Wechselfällen durchlebte er die kubistische Periode bis zur Zeit nach dem Ersten Weltkrieg, die ihn dazu brachte, Preußischblau als einzige Farbe seiner Werke zu verwenden. Wir erleben diese Plastizität in Werken wie Les meules près de la maison, in denen Rapetti die formale Konnotation durch trockenere Farbtöne als die der vorherigen Künstler weiter untersucht.
Elemente, die auf einer diskursiveren Ebene auch aus der Leichtigkeit des Aquarells desselben Werkes hervorgehen, in dem es möglich ist, seine kompositorische Wirkung durch die Harmonie der Formen zu bewundern.
Erfahrungen von drei verschiedenen Künstlern: Derain war von 1880, Chabaud von 1882 und Morandi von 1890, aber ihre künstlerischen Existenzen kreuzten sich für einen kreativen Stil, der darauf abzielte, die Stereotypen einer Klassik zu denaturieren, die auf der Nachahmung der umgebenden Natur gründete, bis hin zur Umarmung eines tiefen Verlangens, sie durch ein inneres Auge zu durchqueren, in dem die Form ihren eigenen Prozess dynamisierte, indem sie dem zeitlichen Rhythmus einer immer stärker von der konkreten Objektivität der Dinge dissoziierten Chromatik folgte.
Wege, deren wesentliches Ergebnis die Spiritualisierung der Materie war.
Ästhetische Konnotationen, die in der kreativen Logik von Rapetti eingeprägt geblieben sind, die durch die Materie den Geist der Welt dekantiert.
Die Hommagen bestimmen eine Rückkehr von Rapetti zu den Ursprüngen.
Eine Art Rückreise in Zeit und Raum, vielleicht zu den Ursprüngen einer Welt, die durch ihre Art zu sein niemals vergessen wurde.
Wir befinden uns in der Tat vor dem Archetyp des Selbst, in dem es der Gedanke, das heißt die Ratio ist, die ihren weiteren Impuls im Gedächtnis des denkenden Subjekts vollzieht. Ein Gedanke, der dazu neigt, den konkreten Sinn der Dinge zu rationalisieren, zu reflektieren, zu spalten und sich auf das zu projizieren, was sein wird.
Eine Reise in die Tiefen einer Malerei, die bei den Meistern der Vergangenheit den erleuchteten Weg zum plastischen Sinn einer Materie findet, die die Formen durch Farbe, Geschwindigkeit oder ihre Position im Raum spiritualisiert.
Hier sind wir in Gegenwart der letzten Edlen Wahrheit, die den Weg der Verwandlung vom Leiden in Freude findet.
Van Gogh
